Nicolas Delprat - 'Humming the World'

Hans Theys - Kurator Die Welt summen Über das Werk von Nicolas Delprat Ich möchte diesen Text mit einer seltsamen Frage beginnen. Wenn das Werk von Nicolas Delprat (geboren 1972) nicht von Kunstgeschichte und künstlerischer Geste sprechen würde (was es zweifellos tut), was würde es uns sagen? Welche Geschichte verbirgt sich hinter all dem? „Ich bin fasziniert von der Erinnerung“, erzählt mir Delprat, „zum Beispiel, wenn sie Bilder erfindet. In meiner Erinnerung war meine Lieblingsszene aus Taxi Driver der Moment, in dem Travis Bickle sich den Kopf rasiert. Aber als ich den Film kürzlich wiedersah, bemerkte ich, dass diese Szene nicht existiert. Man sieht Bickle die Treppe zu seiner Wohnung hinaufgehen und mit kahlgeschorenem Kopf zurückkehren. Scorsese hat eine Ellipse verwendet: Die Handlung selbst ist nicht sichtbar, sie wird nur angedeutet. Ich hoffe, etwas Ähnliches mit meiner Arbeit zu tun. Sie geht oft von gesehenen Dingen aus, aber ich möchte sie nicht nachbilden. Ich benutze sie als Ausgangspunkte für minimalistische Werke, die in der Lage sind, Erzählungen oder Bilder beim Betrachter hervorzurufen.“ Wir sind also frei. Aber wir können auch über die ungesagten Bilder fantasieren, die Delprat bewusst oder unbewusst hervorzurufen versucht. Die nicht existierende Szene, in der Bickle sich den Kopf rasiert, ist sehr physisch, martialisch und radikal. Das Ergebnis ist ein Lucio Fontana der ersten Stunde; ein haariges Onement von Barnett Newman. Wenn man jedoch das Vorgehen von Delprat untersucht, entdeckt man eine andere Erzählung, die uns über die Malerei aufklärt, aber auch über das Handeln, das Leben und das Denken. Zusammenfassend kann man sagen, dass er auf zwei Arten malt: mit extremer Akribie und mit großer Freiheit. Zwischen diesen beiden Ansätzen entfaltet sich ein weites, unerforschtes Territorium. Daraus entstehen Bilder, in denen diese Wahl zu lesen ist. Sie sprechen zu uns über die Malerei, aber auch über eine Art zu sein. Ich werde später auf die verschiedenen Arten des Malens und die Bedeutung der Metamalerei eingehen. Aber zuvor möchte ich auf diese Art zu sein eingehen. Wenn man die Malerei als Spur einer Handlung betrachtet, entdeckt man ein Individuum, das mit extremer Vorsicht und großer Aufmerksamkeit arbeitet, wie zum Beispiel eine Agnes Martin: langsam, repetitiv, meditativ. Dann erscheinen Schlieren, Spritzer und breite Pinselstrichspuren, die verschiedene Formen des Loslassens offenbaren. Die Schlieren haben eine sinnliche und taktile Dimension; die Spritzer und Pinselstriche evozieren eine tiefere Körperlichkeit: einen Ausbruch, eine Befreiung, eine große Armbewegung. Auch hier entdeckt man den Körper, wie bei Bickle, fast durch eine Ellipse verborgen. Gleichzeitig liest man die Erzählung eines Kontrollverlusts, eines wachsenden Vertrauens und einer wachsenden Sicherheit, von Zurückhaltung und Entschlossenheit. Mit Ausnahme einer Serie (die Gemälde auf Papier Dynamique, die während einer Künstlerresidenz entstanden, als die Leinwand unzugänglich war) beginnen alle Werke von Delprat auf einer glatten weißen Polyesterleinwand, die zuerst mit einer weißen Grundierung versehen und dann vollständig oder teilweise mit einer matten schwarzen Acrylfarbe besprüht wurde, die mit einer Spritzpistole aufgetragen wurde. Die Figuren oder optischen Effekte (fluoreszierende Leuchten in der Serie ‚Dan‘, „Türöffnungen“ in der Serie ‚James‘) werden durch die Überlagerung zahlreicher Schichten verdünnter Acrylfarbe auf diesem Schwarz erzeugt. Erst ab der vierzigsten Schicht werden diese Zusätze sichtbar. Im Allgemeinen werden etwa sechzig Schichten aufgetragen. So wird das Licht dem Schwarz abgerungen. Es ist eine Illusion, ein malerischer Zaubertrick. Die meisten optischen Effekte werden auf diese Weise erzeugt: langsam, mit einem kleinen Pinsel. Die Gemälde mit Gittermustern sind ein markantes Beispiel dafür. Das Gitter ist die Spur eines übermalten schwarzen Hintergrunds (erhalten durch das Sprühen hellerer Farben auf ein echtes Gitter, das auf die Leinwand gelegt wurde). Dort, wo die Fäden verschwinden oder verblassen, wurden sie durch Tupfen mit einem sehr feinen Pinsel übermalt. Die sich ständig weiterentwickelnden Serien ‚Dan‘ und ‚James‘, deren Titel sich auf die minimalistischen Interventionen mit Licht von Dan Flavin und James Turrell beziehen, sind von Erinnerungen an diese Werke inspiriert. Die Serie Dan evoziert das Bild von eingeschalteten Leuchtstoffröhren, jedes Mal in einer anderen Komposition. Turrell arbeitete mit Tageslicht, Flavin mit künstlichem Licht. In den Gemälden von Delprat finden wir natürlich nicht das reale Licht, sondern die Rekonstruktion einer Erinnerung, die Schaffung einer Illusion. Die Schönheit der Gleichzeitigkeit dieser akribischen Aktionen und dieser schnelleren und entscheidenderen Gesten liegt in der Schaffung eines malerischen Raums, der sich in verschiedenen Tiefen zu entfalten scheint. Verläufe und andere atmosphärische Hintergründe werden durch Aktionen, die im Vordergrund stattzufinden scheinen, auf einen fiktiven Hintergrund verbannt: Farbspritzer, die in der Nähe der Leinwand projiziert werden, breite Pinselstrichspuren oder auch ein falsches Passepartout aus schwarzer Acrylfarbe, das in letzter Minute hinzugefügt wurde. Das Fehlen von „Mischformen“ zwischen der Akribie und der Kraft verleiht dieser malerischen Tiefe eine große Lesbarkeit, was bedeutet, dass das Bild uns auch darüber informiert, wie man Gemälde schafft. Eine andere Art, dies zu tun, ist das Speichern von Maskierungsspuren. Das Fehlen von perspektivischer Tiefe und Volumenmodulation erinnert uns an die amerikanischen abstrakten Expressionisten (Newman, Reinhardt, Rothko, Pollock), aber auch an Supports/Surfaces und BMPT. Der durch Textur- und Intensitätsunterschiede geschaffene malerische Raum erinnert an die frühen Aquarelle von Soulages oder die gewundenen Werke von Christopher Wool. Der Akt des sorgfältigen Überdeckens „expressiver“ Elemente, wie Schlieren, erinnert an Hans Hartung. Zusammen bilden diese Maler die Gesprächspartner, mit denen Delprat ein Gespräch führt. Ich schätze diese Art von Gesellschaft. Es gibt keinen Lärm. Man flüstert. Man experimentiert. Man tastet, man kämpft, man kritisiert sich, und man hat Spaß. Es ist eine sehr einsame Tätigkeit, aber der stille Dialog mit den anderen Malern, Bildhauern, Filmemachern und Schriftstellern mildert gleichzeitig diese Einsamkeit. In der Stille werden wir eins mit den anderen. Ein Zaubertrick findet ebenfalls statt, ein geheimer Austausch. Die ganze Welt, mit all ihrer Schwere, ihrem Volumen, ihrem Flüstern, ihren Bewegungen, ihren Wünschen und ihrer Vergänglichkeit, verschwindet wie durch Zauberhand, erscheint aber in einer sanften oder entscheidenden Geste, in einem Summen wieder. (Denn wie nennt man ein Lied ohne Worte, ohne markante Klänge, ohne erkennbare Bilder?) Meine Lieblingsbilder sind die dynamischen „Landschaften“. Ich mag ihre atmosphärischen Hintergründe, die sich aufzulösen scheinen, und die fast unkontrollierbaren Spritzer, die sich im Vordergrund zu entfalten scheinen. Sobald der Hintergrund fertig ist, projiziert Delprat mit Kraft eine Menge Farbe neben die Leinwand, sodass die Spritzer in die gleiche Richtung zu gehen scheinen, was eine Illusion von Bewegung erzeugt. Wir wissen, dass Bacon seine Bilder auch dadurch vollendete, dass er einen Hauch weißer Farbe darauf warf, was der ganzen Szene eine zusätzliche Tiefe verleiht. Der Kunstkritiker David Sylvester fragt Bacon, ob die Putzfrau diese Farbe an seiner Stelle werfen könnte. Bacon antwortet bejahend. Sylvester fragt ihn dann, ob er es tun könnte. „Nein, du nicht“, antwortet Bacon. Zumindest erinnere ich mich so daran. Aber beim Nachlesen habe ich diese Stelle nicht gefunden. Ich habe sie wahrscheinlich erfunden. Montagne de Miel, am 6. Januar 2026